From the Eyes to the Hands and Back—On Observation and Storytelling
by Ines Rüttinger
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A famous Confucian poem says:
Calmly observe—
The myriad phenomena are self-evident
Nature narrates itself perfectly.

This quote floats through the aether of the internet and can be found on random websites concerned with awakening your inner Buddha. It aims to let your active ambitions go and urges you to observe the world and its sort of self-propelling system – while you remain in a passive state. So, why would anyone use it as a starter for a text about four artists and their practices? Mainly, because of the interests of observing and narrating. But while these are the common motives, they also are the crucial differences between the suggested non-action of the quote and the actual artworks.

The poem advises non-action, to remain passive: things will unfold anyway. Why is it that observing seems to be passive? While it may not be the most agitated act, it is nonetheless full of action. Observing means to listen, to watch, to feel, to touch. You need to be mindful, you need to focus and you need to evaluate. You have to fully process what you are observing while you are observing, otherwise it’s just looking at something.

Observation comes with silence, stillness, and empathy. It means you have to take a step back. Maybe here lies the issue. Often, when your actions and your output are not presented in an active, loud manner, it is considered unimportant. Because stillness, silence and listening are considered passive, they are often associated with being weak, being nonrelevant, being non-existent. These characteristics are often also connected with femininity and womanhood.

But in the act of observing lies its own power. As the poem suggests, once you begin to observe, stories begin to unfold. And while nature may narrate itself perfectly, it cannot tell you everything at the same time. There are indeed myriad hidden stories to uncover and many threads to unravel. The works of these artists step in and offer different narratives through four unique ways of storytelling.

These stories, brought together by the cooperation of four women from various backgrounds all over the world, seem similar yet individually different at the same time. Storytelling by women is less associated with the “high” art of writing or painting, but often is linked to “lower” forms of art, like handcraft such as weaving, quilting or stitching. The thread, for example, has always been thought to be able to fabricate charms, spells and narratives. Sometimes the technical quality was too distinguished to be understood by others, so handcraft became witchcraft. “Lesser” and “evil” are labels women are sadly too familiar with.

The intangible efforts of observing, which these artists put into their work create very tactile objects. The materials seemingly invite touch and the artworks themselves evidently originated from manual labour and are a manifestation of artistic handcraft, where creation becomes narration.

VIDA SIMON
Vida Simon’s interest in narration manifests especially in her drawings. The spontaneous and immediate nature of drawing appeals to her, with its inherent storytelling language. Drawing is flexible, can be done anywhere, anytime, with a lot of different materials on a lot of different materials. It can be figurative and abstract, rough and detailed, sophisticated and automatic. Drawing can be independent or part of a series. Drawing is thinking with your hands while simultaneously documenting your thoughts. Simon’s drawing may become part of installations and performances, which are also important facets in her practice. For her 2018 performance A Very Slow Blue, which was part of Le Chant des pistes sauvages and took place over the course of three hours, she gathered blue objects of all sorts. By re-arranging them, using them as props or animating them, she unfolded many narratives in a rather short span of time. Between the intimate detail and the greater installation, “The overall sense”, as she said herself, “was a dreamlike space where the sacred, everyday, and absurd intersected.” Performance, like drawing, not only became narration, but also ritual and invocation, conjuring scenarios and possibilities.

MIRJAM ELBURN
While in an installation or a performance objects seem to have their undisputable place, the works of Mirjam Elburn evoke an unsettling feeling of displacement”.  In our understanding of the world, materials such as hair have their proper place (and maybe time), and a gallery space seems like it shouldn’t be one of them. Elburn constantly works against our expectation of where (and again, maybe when) materials should be, how we encounter them and how they are used. She defies common rules and gives lost and found, discarded and thrown away materials a second life. Hair, sausage skin, paper bags, artificial teeth – they all shed their metaphorical skin and their previous lives. Using techniques like needlecraft, the artist allows these materials to continue new lives in different forms, free from superficial function. Instead, they seem to invocate new worlds, all of them ever changing and unpredictable. Elburn stretches these two characteristics in a newer experiment, where she investigates polaroid photos and their photosensitive layers. By dismantling the polaroid, double images, distortion and voids speak of the clash between the ephemeral and the eternal – they speak of time.

MARIA LAURA GALEOTTI
This clash can be found in Maria Laura Galeotti’s work too, though it is told in a different language. Whatever nature brings to form and to life in a temporary, ephemeral circle, the artist converts into something lasting, maybe eternal: she transforms plants and organic material into ceramics. One can imagine how manual the work with clay can be: digging into earthly matter, defining new forms from a lump of material, bonding with substance. Encased by earth and burned by fire, the plants both lose their form and pass it on. The artist’s craft has an alchemical, magical nuance to it. Nonetheless her research on indigenous techniques is fundamentally thorough and academic. She focuses on different ceramic glazes, local clays, the construction of furnaces and the  examination of materials. A collective research award by the Fondo Nacional de las Artes in 2015 allowed her to study pre-Columbian native cultures, both regarding their techniques and their worldview. Thus, Galeotti is not only finding her own voice in storytelling but also stands in a larger tale of ceramic narratives.

LAURA MALVICA
A different path in ceramics is taken by Laura Malvica. At first glance her practice seems to foreground the contrast between the imagined tenderness of flower petals and the seemingly harsh material. But then, the material is of a similar yet different fragility: a precious and breakable ephemera which makes it hard to believe it can be installed in any other situation than the current one. The fragments built another whole and the piles of ceramic petals seem to be at rest but also as if they could be moved by any sudden gust of wind. This tension between inertia and motion creates an instability which is the epitome of change. Laura Malvica does not only work in ceramics, but also explores fragmentality in other materials like papers of different weights and compositions or in drawings spreading over attached sheets of paper. But besides the perishable nature of Malvica’s works, there is also the promise of growth. Layer after layer of burned clay builds upon each other; papers grow more and more into space and with them, the drawings of plants they carry. The fragments’ theoretical possibilities of creating are endless, as are those of storytelling.

With this insight into four different ways of artistic storytelling with and about nature, it becomes evident that silent yet attentive observation feeds into complex narration, which then leads to an artistic production, challenging us to become active observers ourselves. While this can be said for most artistic processes, the four women in this group presentation convince with their distinctness and straightforwardness. By bringing together fragments of stories within their own narratives and by also allowing these to form a greater tale, Vida Simon, Mirjam Elburn, Maria Laura Galeotti and Laura Malvica show that there are many ways to tell many stories – and that we all might need to follow their lead and take a step back to calmly observe.


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Von den Augen zu den Händen und zurück — über das Beobachten  und Geschichten erzählen
von Ines Rüttinger

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Ein bekanntes Gedicht von Konfuzius sagt:
Ruhig beobachten -
Die unzähligen Phänomene sind selbstverständlich.
Die Natur erzählt sich selbst perfekt.

Dieses Zitat schwebt durch den Äther des Internet und kann auf zahlreichen Websites gefunden werden, die sich mit der Erweckung des inneren Buddhas beschäftigen. Es zielt darauf ab, dass man aktive Ambitionen loslassen möge und fordern auf die Welt und deren sich selbstantreibendes System zu beobachten — während selbst man passiv verweilt. Warum nun sollte jemand dieses Zitat als Einführung für einen Text über vier Künstlerinnen und deren Arbeitsweise wählen? Hauptsächlich aufgrund des Interesses am Beobachten und Erzählen. Aber während es sich hier um gemeinsame Motive handelt, sind sie gleichzeitig ein entscheidender Unterschied zwischen empfohlener Nicht-Aktion des Zitats und der eigentlichen künstlerischen Praxis.

Das Gedicht empfiehlt nicht zu handeln, passiv zu bleiben: die Dinge werden sich so-oder-so entwickeln. Warum aber erscheint Beobachten passiv? Während es nicht der lebhafteste Akt sein mag, so ist das Beobachten trotz allem voller Aktivität.

Beobachten bedeutet zu hören, zu schauen, zu fühlen, zu berühren. Man muss achtsam sein, man muss fokussiert sein und man muss bewerten. Man muss vollständig verarbeiten, was man beobachtet, während man beobachtet, andernfalls starrt man einfach nur auf Dinge.

Beobachten geht einher mit Stille, Ruhe und Empathie. Es bedeutet, dass man einen Schritt zurücktreten muss. Möglicherweise liegt hier das Problem. Oftmals, wenn die eigenen Tätigkeiten und Überzeugungen nicht aktiv und lautstark geäußert werden, werden sie nicht als relevant wahrgenommen. Denn Ruhe, Stille und Zuhören gelten als passiv, werden oftmals mit Schwäche, mangelnder Relevanz oder mit Nicht-Existenz gleichgesetzt. Dies sind Merkmale, die wiederum oft mit Weiblichkeit verbunden werden.

Aber in der Tätigkeit des Beobachtens liegt eine ganz eigene Kraft. Wie das Gedicht empfiehlt, beginnt sich eine Geschichte zu entwickeln, sobald man beginnt zu beobachten Und während die Natur sich selbst erzählen könnte, kann sie uns nicht alles gleichzeitig erzählen. Es gibt tatsächlich unzählige verborgene Geschichten zu entdecken und Fäden zu entwirren. Die Arbeiten dieser Künstlerinnen setzen hier an und bieten verschiedene Erzählungen durch vier einzigartige Weisen des Geschichtenerzählens an.
Diese Geschichten, zusammengebracht in der Zusammenarbeit von vier Frauen mit unterschiedlichem Hintergrund von drei verschiedenen Kontinenten, scheinen ähnlich und gleichzeitig andersartig.
Das Geschichtenerzählen durch Frauen wird meist nicht assoziiert mit der „hohen“ Kunst der Literatur oder der Malerei, sondern wird verbunden mit „niedrigeren“ Formen der Kunst, dem Kunsthandwerk wie Weben, Quilten, Sticken oder Nähen. Das Garn beispielsweise wurde stets mit Zauberei, Verwünschungen und Erzählungen verknüpft. Manchmal war die technische Qualität dieser Gewebe so ausgereift, dass sie von anderen nicht verstanden werden konnte, so dass aus Kunsthandfertigkeit schnell Hexerei wurde. „Weniger“ und „böse“ sind Etikettierungen, die Frauen leider nur allzu bekannt sind.

Die unfassbaren Anstrengungen des Beobachtens, die diese Künstlerinnen in ihre Arbeit stecken, finden ihre Umsetzung in sehr (an-)fassbaren Objekten. Das Material scheint zum Berühren und Fühlen einzuladen, die Werke selbst entstammen offensichtlich aus manueller Tätigkeit und sind ein Manifest künstlerischer Handarbeit, in der Kreation zur Erzählung wird.

VIDA SIMON
Vida Simons narratives Interesse manifestiert sich insbesondere in ihren Zeichnungen. Der spontane und unmittelbare Charakter der Zeichnung reizt sie durch die innewohnende erzählerische Sprache. Zeichnen ist flexibel, kann nahezu überall stattfinden, jederzeit, mit jedem Material auf jedem Material. Eine Zeichnung kann figurativ und abstrakt, grob und detailliert, durchdacht und automatisch sein. Eine Zeichnung kann zudem eigenständig oder Teil einer Serie sein. Zeichnen ist denken mit den Händen, während man gleichzeitig die eigenen Gedanken niederschreibt. Simons Zeichnungen werden mitunter zu Elementen ihrer Installationen oder Performances, die auch ein wichtiger Teil ihrer künstlerischen Arbeit sind. Für ihre Performance von 2018 A Very Slow Blue, die Teil von Le Chant des pistes sauvages war und über drei Stunden stattfand, hat sie blaue Gegenstände jeglicher Art zusammengetragen. Durch das neu arrangieren, verwenden als Requisiten oder animieren der Teile, entfaltet sie eine Bandbreite von Erzählungen in einer vergleichsweise kurzen Zeit. Zwischen dem intimen Detail und der grösseren Installation ist „der Gesamtsinn“, wie sie selbst sagt, „ein traumgleicher Ort an dem das Heilige, das Alltägiche und das Absurde sich kreuzen.“ Performance, ebenso wie die Zeichnung, werden nicht nur Erzählung, sondern sind Ritual und Anrufung, beschworenes Szenario und Möglichkeit.

MIRJAM ELBURN
Während in einer Installation oder bei einer Performance Objekte einen unbestrittenen Ort haben, erfüllen die Arbeiten von Mirjam Elburn die meisten Betrachter mit einem Gefühl von deplatzierten Gegenständen. In unserem Verständnis von Welt, hat Material wie Haar seinen richtigen Platz (und möglicherweise auch seine Zeit) und ein Galerieraum sollte wohl eher keiner davon sein. Elburn arbeitet konstant entgegen unserer Erwartungen wo (und möglicherweise auch wiederum wann) Materialien sein sollten, wie wir ihnen begegnen und wie wir sie benutzen. Sie trotzt allgemeinen Regeln und gibt verlorenem und gefundenem, abgelegtem und weggeworfenem Material ein zweites Leben. Haar, Wurstpelle, Papiertüten, künstliche Zähne — sie alle streifen ihre metaphorische Haut und ihr vorheriges Leben ab. Durch das Verwenden von Techniken wie Nähen oder Filzen, erlaubt die Künstlerin dem Material ein neues Leben frei von vordergründiger Funktion fortzuführen. Stattdessen, scheinen diese Formen neue Welten zu beschwören, sie alle im stetigen Wandel und unvorhersehbar. Elburn weitet diese zwei Merkmale in einem neueren Versuch bei dem sie Polaroids und deren photosensitive Schichten untersucht. Durch Zerlegen des Polaroids, sprechen Doppelbilder, Zerstörung und Fehlstellen vom Zusammenprall von Vergänglichkeit und Ewigkeit —  sie sprechen von Zeit. 

MARIA LAURA GALEOTTI
Dieser Zusammenprall kann auch in den Werken von Maria Laura Galeotti gefundenen werden, auch wenn sie davon in einer anderen Sprache berichtet. Was immer die Natur formt und zum Leben erweckt in einem temporären, ephemeren Kreislauf, überführt die Künstlerin in etwas Dauerhaftes, möglicherweise Ewiges: sie transformiert Pflanzen und organisches Material in Keramik. Man kann sich vorstellen wie manuell unmittelbar die Arbeit mit Ton sein kann: graben in irdischer Materie, neue Formen aus einem Klumpen Material definieren, sich mit Substanz verbinden. Eingeschlossen in Erde und gebrannt im Feuer, verlieren die Pflanzen ihre Form und geben sie zur gleichen Zeit weiter. Die Arbeit der Künstlerin trägt eine alchemistische, magische Nuance. Nichtsdestotrotz betreibt sie eine gründliche und wissenschaftliche Forschung indigener Techniken. Ihr Fokus liegt auf verschiedenen keramischen Pasten, regionalem Ton, der Konstruktion von Brennöfen und der Untersuchung von Materialien. Die Verleihung eines Gruppenforschung-Preises durch die Fondo Nacional de las Artes 2015 ermöglichte es ihr präkolumbianische einheimische Kulturen im Hinblick auf ihre Techniken und ihre Weltanschauung zu studieren. Dadurch findet Galeotti nicht nur ihre eigene Stimme im Geschichtenerzählen, sondern steht auch in der Reihe einer größeren Geschichte keramischer Erzählungen.

LAURA MALVICA
Einen anderen Weg in der Keramik geht Laura Malvica. Zuerst setzt ihre Praxis einen Kontrast zwischen imaginierter Zartheit von Blütenblättern und dem scheinbar harten Material. Aber dann erscheint das Material von ähnlicher wenn auch anderer Fragilität: einer kostbaren und zerbrechlichen Ephemera, was uns schwer glauben lässt, dass es in irgendeiner anderen als der augenblicklichen Situation installiert werden könnte. Die Fragmente bilden ein neues Ganzes und die Haufen keramischer Blütenblätter scheinen sich auszuruhen, könnten aber auch jederzeit durch einen plötzlichen Windstoß bewegt werden. Diese Spannung zwischen Trägheit und Bewegung schafft eine Instabilität, die der Inbegriff von Veränderung ist. Laura Malvica arbeitet nicht nur mit Keramik, sie untersucht auch die Fragmentalität anderer Materialien wie Papieren von unterschiedlichem Gewicht und unterschiedlicher Komposition oder in Zeichnungen, die sich auf aneinander gefügtem Papier verteilen. Aber neben ihrer vergänglichen Natur beinhalten Malvicas Arbeiten auch das Versprechen auf Wachstum. Lage um Lage baut gebrannter Ton aufeinander auf; Papierbögen wachsen mehr und mehr in den Raum und mit ihnen die Zeichnung der Pflanzen, die sie mit sich tragen. Die theoretische Möglichkeit der Fragmente zu erschaffen ist endlos, genauso wie die des Geschichtenerzählens.

Mit diesem Einblick in vier verschiedene Wege des künstlerischen Geschichtenerzählens mit und über Natur, wird nur allzu deutlich, dass Stille und aufmerksames Beobachten eine komplexe Narration speisen, die dann wiederum zu einer künstlerischen Äußerung führt, welche uns herausfordert selbst aktive Beobachter zu werden. Während dies über die meisten künstlerischen Prozesse gesagt werden kann, überzeugt die Präsentation dieser vier Frauen mit ihrer Deutlichkeit und Gradlinigkeit. Durch das Zusammenbringen der Fragmente von Geschichten innerhalb ihrer eigenen Erzählungen und dadurch, dass sie ihnen erlauben eine größere Geschichte zu formen, zeigen Vida Simon, Mirjam Elburn, Maria Laura Galeotti und Laura Malvica, dass es viele Wege gibt viele Geschichten zu erzählen — und dass wir vielleicht alle ihrem Beispiel folgen und einen Schritt zurücktreten sollten, um besonnen zu beobachten.


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De los ojos a las manos y de vuelta — del contemplar y del narrar
de Ines Rüttinger,
traducción al español de Dr. Andrea Kyi-Drago

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Un poema conocido de Confucio dice:
Contemplar con calma
Que los innumerables fenómenos son obvios.
La naturaleza se revela perfectamente a sí misma.

Esta cita flota por el éter del Internet y puede encontrarse en muchas páginas web que se dedican al despertar del Buddha Interior. Quiere que soltemos las ambiciones activas y nos propone contemplar el mundo y su manera de propulsarse a sí mismo mientras que permanecemos pasivos nosotros mismos. ¿Por qué, entonces, eligir esta cita como introducción de un texto que nos cuenta de cuatro mujeres artistas y su manera de trabajar? Primero y ante todo, porque ellas mismas se interesan por la contemplación y la narración. Pero, al mismo tiempo, no sólo se trata de dos motivos que se comparten, sino también de una diferencia muy importante que existe entre la ausencia de acción que nos recomienda la cita y la actividad que implica la práctica artística.

El poema recomienda no hacer nada, quedarse pasivo, porque las cosas se desarrollarán sí o sí. ¿Pero por qué nos parece tan pasiva la contemplación? Puede que no sea el acto más animado, y, sin embargo, está lleno de actividad.

El contemplar significa escuchar, mirar, sentir, tocar. Hay que estar atento, enfocado y hay que evaluar lo que se percibe. Contemplar significa procesar completamente lo que se percibe mientras que uno lo está observando; sino sólo estuviéramos clavando nuestra mirada vacía en una cosa.

El contemplar va de la mano con el silencio, la calma y la empatía. Contemplar significa tomar un poco de distancia y a lo mejor es esto el problema. Cuando nuestras actividades y convicciones no se imponen de manera enérgica y en voz alta, no son percibidas como relevantes. La calma, el silencio y el escuchar son vistos como pasivos; muchas veces incluso se las equipara con la debilidad, la falta de relevancia o aun con el ser inexistente. Y éstos son atributos que a menudo se asocian con lo feminino.

No por eso, el acto de contemplar guarda una fuerza muy suya. Tal que nos recomienda el poema, una historia comienza a tejerse desde el momento en el que empezamos a contemplar.Y aunque la naturaleza podría revelarse perfectamente a sí misma, a nosotros no nos puede descubrir todo a la vez. De hecho, hay muchas historias escondidas a revelar y muchos hilos a desenmarañar. Y es aquí donde comienzan los trabajos de las mujeres artistas que nos ofrecen varios relatos a través de sus maneras singulares de tejer historias.

Estos relatos, que se han juntado en la colaboración de cuatro mujeres provenientes de diversos contextos y tres continentes distintos, parecen similares y, a la vez, muy diferentes. La narración de relatos no se asocia, en general, con el arte maestro de la literatura o la pintura, sino se inscribe, más bien, en las artes menores y las técnicas artesanales como los son el tejer, la costura de quilts, la bordadura o la costura. El hilo se relaciona siempre con la magia, las maldiciones y los cuentos. A veces, la calidad técnica de estos tejidos fue tan elaborada que los no iniciados ni siquiera eran capaces de comprenderla, lo que les llevaba pronto a asociar la artesanía con la brujería. Y atributos como «menor» o «mal» se conocen, desgraciadamente, de sobra cuando una es mujer.

Los increíbles esfuerzos de la contemplación que estas artistas invierten en su obra se manifiestan en objetos muy palpables. Su material parece invitarnos a tocar y a sentir, los artefactos mismos son evidentemente el fruto de unas manos activas y son el manifiesto de un trabajo artesanal hecho a mano donde la creación se vuelve narración.

VIDA SIMON
El interés narrativo de Vida Simon se cristaliza sobre todo en sus dibujos. El carácter espontáneo y directo de estos dibujos atrae por su lenguaje narrativo inherente. El dibujar es sumamente flexible, se puede dibujar en todos los lugares, en cualquier momento, con cualquier sustancia y sobre cualquier material. Un dibujo puede ser figurativo o abstracto, chapucero o detallado, muy pensado o casi automático. Además, un dibujo puede ser un acto independiente o puede formar parte de toda una serie. Dibujar es pensar con las manos, mientras que uno está tomando nota de sus propios pensamientos. Los dibujos de Simon a veces se convierten en elementos de sus instalaciones o actuaciones, que son también unos componentes importantes de su trabajo artístico. Para su actuación del 2018, «A Very Slow Blue», que formaba parte de Le Chant des pistes sauvages y que duraba tres horas, las artistas habían compilado cualquier tipo de objetos azules. A través de la nueva organización espacial de los objetos, el utilizar como requisito o el animar de las partes, esta actuación desarrollaba toda una gama de narraciones en relativamente poco tiempo. Entre el detalle íntimo y la instalación mayor se encuentra «el sentido total como lugar de ensueño donde lo sagrado, lo cotidiano y lo absurdo se entremezclan», como dice ella. Tanto la actuación como el dibujo no sólo se transforman en cuento, sino también son ritual de invocación, escenario evocado y potencia.

MIRJAM ELBURN
Mientras que en una instalación o en una actuación los objetos tienen su lugar indiscutible, las obras de Mirjam Elburn les hacen pensar a muchos espectadores que se trata de objetos desplazados. Según nuestra visión del mundo, todo material –tal como el pelo– tiene su lugar donde tiene que estar. A lo mejor incluso tiene su tiempo prescrito. Las salas de una galería más bien no deberían ser un tal lugar. Elburn trabaja constantemente contra estas nuestras expectativas sobre dónde (y, a lo mejor, también cuándo) se deberían encontrar los diferentes materiales, sobre cómo los encontramos y cómo los utilizamos. Así, Elburn se opone a las reglas generales y le da una segunda vida al material perdido y encontrado, usado y desechado. Pelo, piel de salchicha, bolsas de papel, dientes artificiales — todos se quitan su piel metafórica y su vida anterior. Mediante técnicas como la costura o la fabricación de fieltro, la artista le permite al material continuar una vida libre de funcionalidad superficial. En su lugar, las nuevas formas parecen conjurar nuevos mundos, todos cambiando constantemente, todos imprevisibles. Elburn extiende estas características en un experimento más reciente en el que explora las fotos Polaroid y sus capas fotosensibles. A través del desmantelamiento del Polaroid, las imágenes secundarias, la destrucción y las marcas defectuosas cuentan del choque entre lo efímero y lo eterno – nos hablan del tiempo.

MARIA LAURA GALEOTTI
Este choque se encuentra también en las obras de Maria Laura Galeotti, aún si usa otra lengua para contarla. Sea lo que sea lo que la naturaleza moldea y hace cobrar vida en un ciclo efímero – la artista lo transforma en algo permanente, a lo mejor incluso eterno: Transforma plantas y material orgánico en cerámica. Es fácil imaginarse lo inmediato y manual que puede ser el trabajar con arcilla: estar cavando en la materia terrenal, definir nuevas formas de un terrón o de un cacho de material, unirse con la sustancia. Encerradas en la tierra y cocidas en el fuego, las plantas pierden su forma, transmitiéndola al mismo tiempo. Todo el trabajo de la artista respira este matiz de alquimia, de magia. Y, sin embargo, es muy concienzuda y científica su manera de estudiar las técnicas indígenas. Se focaliza, sobre todo, en las diferentes pastas cerámicas, la arcilla regional, la construcción de los hornos para la cocción de arcilla y el estudio de los materiales. Gracias a un premio de investigación para grupos que le ha otorgado el Fondo Nacional de las Artes en 2015, la artista ha podido investigar las culturas precolombinas autóctonas en cuanto a sus técnicas y su cosmovisión.  De esta manera, Galeotti no sólo encuentra su propia voz, cuando narra sus historias, pero también se inscribe en la larga historia de narraciones cerámicas.

LAURA MALVICA
Laura Malvica toma otro camino, cuando trabaja con la cerámica. Primero, su práctica crea un fuerte contraste entre la delicadeza de los pétalos y la aparente dureza del material. Pero luego, el material parece frágil también, aunque la fragilidad es otra: Es una efimeridad preciosa y frágil, con lo cual nos resulta difícil creer que la obra podría ser instalada en otro momento que no sea el hic et nunc. Los fragmentos forman una nueva unión y la pila de pétalos de cerámica sólo parece descansar un instante, aunque igual podría ser desplazada en cualquier momento por una ráfaga de viento. Esta tensión entre inercia y movimiento crea una inestabilidad que encarna el cambio. Laura Malvica no solo trabaja con cerámica, sino estudia también el carácter fragmentario de otros materiales como papeles de diferente peso y que se distinguen en su composición o a través de dibujos que se esparcen sobre un patchwork de hojas sueltas. Sin embargo, y más allá de su naturaleza efímera, los trabajos de Malvica nos transmiten también la promesa del crecimiento. Capa por capa, la arcilla cocida va creando un todo; hojas de papel van creciendo para apoderarse del espacio, tal como lo hacen las plantas cuyas representaciones gráficas llevan en su superficie. El potencial creativo teórico de los fragmentos es infinito, al igual que el potencial de la narración.

Esta reflexión sobre cuatro maneras estéticas de contar historias a través de y sobre la naturaleza nos deja muy claro que el silencio y la contemplación atenta alimentan una narración compleja que, a su vez, lleva a una expresión artística que nos desafía a convertirnos nosotros mismos en observadores atentos. Es ésta una constatación que bien se puede hacer con respecto a la mayoría de los procesos artísticos, pero la presentación de estas cuatro mujeres nos convence como pocas con su claridad y coherencia. Juntando fragmentos de historias dentro de sus propias narraciones y permitiéndoles formar juntos una historia más grande, Vida Simon, Mirjam Elburn, Maria Laura Galeotti y Laura Malvica demuestran que existen muchas maneras de contar muchas historias y que, a lo mejor, todos nosotros deberíamos seguir su ejemplo, tomando un poco de distancia para contemplar con prudencia y atención.


Mirjam Elburn
Wandabnahme 2,
frottage, graphite on drawing paper, 30×40cm
05/2021

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Laura Malvica
weight,
earthenware

2021



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Laura Malvica
contrast,
white earthenware

2021


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Mirjam Elburn
Wandabnahme 2,
frottage, graphite on drawing paper, 30×40cm
05/2021


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Mirjam Elburn
Wandabnahme 1,
frottage, graphite on drawing paper, 30×40cm
05/2021


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Mirjam Elburn
Häutungen (skinning) 2,
b/w photography, 1/1, 30×40cm
05/2021

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Laura Malvica
chain,
earthenware
2021


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Mirjam Elburn
Häutungen (skinning) 1,
b/w photography, 1/1, 30×40cm

05/2021

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Vida Simon Too Much/Not Enough, ink on beans (detail from installation)
2020

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Vida Simon Too Much/Not Enough, installation, mixed media, CIRCA, Montreal
2020


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Laura Galeotti
Dandelion, white stoneware
2021

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Laura Galeotti
Installation pieces of ocher stoneware

2021

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Laura Galeotti
Pomegranate, fired red clay
05/2021


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Laura Galeotti
Fruits, fired red clay
05/2021

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Laura Galeotti
Leaves, fired red clay

05/2021

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Laura Galeotti
Flowers and plants, fired red clay

05/2021

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Laura Galeotti
Immersion bath of organic objects in slit and ocher stoneware
2021


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Mirjam Elburn
how to feel … (detail), body print, latices sewed, ca. 120×70cm
2021

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Vida Simon
Too Much/Not Enough,
detail of installation, mixed media
2020

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Laura Malvica a logbook of plant species,
pencil on paper

2020

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Laura Galeotti vestiges of a happy summer,red clay, burning wood oven
2019


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From the Eyes to the Hands and Back –On Observation and Storytelling
by Ines Rüttinger


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A famous Confucian poem says:
Calmly observe—
The myriad phenomena are self-evident
Nature narrates itself perfectly.

This quote floats through the aether of the internet and can be found on random websites concerned with awakening your inner Buddha. It aims to let your active ambitions go and urges you to observe the world and its sort of self-propelling system – while you remain in a passive state. So, why would anyone use it as a starter for a text about four artists and their practices? Mainly, because of the interests of observing and narrating. But while these are the common motives, they also are the crucial differences between the suggested non-action of the quote and the actual artworks.

The poem advises non-action, to remain passive: things will unfold anyway. Why is it that observing seems to be passive? While it may not be the most agitated act, it is nonetheless full of action. Observing means to listen, to watch, to feel, to touch. You need to be mindful, you need to focus and you need to evaluate. You have to fully process what you are observing while you are observing, otherwise it’s just looking at something.

Observation comes with silence, stillness, and empathy. It means you have to take a step back. Maybe here lies the issue. Often, when your actions and your output are not presented in an active, loud manner, it is considered unimportant. Because stillness, silence and listening are considered passive, they are often associated with being weak, being nonrelevant, being non-existent. These characteristics are often also connected with femininity and womanhood.

But in the act of observing lies its own power. As the poem suggests, once you begin to observe, stories begin to unfold. And while nature may narrate itself perfectly, it cannot tell you everything at the same time. There are indeed myriad hidden stories to uncover and many threads to unravel. The works of these artists step in and offer different narratives through four unique ways of storytelling.

These stories, brought together by the cooperation of four women from various backgrounds all over the world, seem similar yet individually different at the same time. Storytelling by women is less associated with the “high” art of writing or painting, but often is linked to “lower” forms of art, like handcraft such as weaving, quilting or stitching. The thread, for example, has always been thought to be able to fabricate charms, spells and narratives. Sometimes the technical quality was too distinguished to be understood by others, so handcraft became witchcraft. “Lesser” and “evil” are labels women are sadly too familiar with.

The intangible efforts of observing, which these artists put into their work create very tactile objects. The materials seemingly invite touch and the artworks themselves evidently originated from manual labour and are a manifestation of artistic handcraft, where creation becomes narration.

VIDA SIMON
Vida Simon’s interest in narration manifests especially in her drawings. The spontaneous and immediate nature of drawing appeals to her, with its inherent storytelling language. Drawing is flexible, can be done anywhere, anytime, with a lot of different materials on a lot of different materials. It can be figurative and abstract, rough and detailed, sophisticated and automatic. Drawing can be independent or part of a series. Drawing is thinking with your hands while simultaneously documenting your thoughts. Simon’s drawing may become part of installations and performances, which are also important facets in her practice. For her 2018 performance A Very Slow Blue, which was part of Le Chant des pistes sauvages and took place over the course of three hours, she gathered blue objects of all sorts. By re-arranging them, using them as props or animating them, she unfolded many narratives in a rather short span of time. Between the intimate detail and the greater installation, “The overall sense”, as she said herself, “was a dreamlike space where the sacred, everyday, and absurd intersected.” Performance, like drawing, not only became narration, but also ritual and invocation, conjuring scenarios and possibilities.

MIRJAM ELBURN
While in an installation or a performance objects seem to have their undisputable place, the works of Mirjam Elburn evoke an unsettling feeling of displacement”.  In our understanding of the world, materials such as hair have their proper place (and maybe time), and a gallery space seems like it shouldn’t be one of them. Elburn constantly works against our expectation of where (and again, maybe when) materials should be, how we encounter them and how they are used. She defies common rules and gives lost and found, discarded and thrown away materials a second life. Hair, sausage skin, paper bags, artificial teeth – they all shed their metaphorical skin and their previous lives. Using techniques like needlecraft, the artist allows these materials to continue new lives in different forms, free from superficial function. Instead, they seem to invocate new worlds, all of them ever changing and unpredictable. Elburn stretches these two characteristics in a newer experiment, where she investigates polaroid photos and their photosensitive layers. By dismantling the polaroid, double images, distortion and voids speak of the clash between the ephemeral and the eternal – they speak of time.

MARIA LAURA GALEOTTI
This clash can be found in Maria Laura Galeotti’s work too, though it is told in a different language. Whatever nature brings to form and to life in a temporary, ephemeral circle, the artist converts into something lasting, maybe eternal: she transforms plants and organic material into ceramics. One can imagine how manual the work with clay can be: digging into earthly matter, defining new forms from a lump of material, bonding with substance. Encased by earth and burned by fire, the plants both lose their form and pass it on. The artist’s craft has an alchemical, magical nuance to it. Nonetheless her research on indigenous techniques is fundamentally thorough and academic. She focuses on different ceramic glazes, local clays, the construction of furnaces and the  examination of materials. A collective research award by the Fondo Nacional de las Artes in 2015 allowed her to study pre-Columbian native cultures, both regarding their techniques and their worldview. Thus, Galeotti is not only finding her own voice in storytelling but also stands in a larger tale of ceramic narratives.

LAURA MALVICA
A different path in ceramics is taken by Laura Malvica. At first glance her practice seems to foreground the contrast between the imagined tenderness of flower petals and the seemingly harsh material. But then, the material is of a similar yet different fragility: a precious and breakable ephemera which makes it hard to believe it can be installed in any other situation than the current one. The fragments built another whole and the piles of ceramic petals seem to be at rest but also as if they could be moved by any sudden gust of wind. This tension between inertia and motion creates an instability which is the epitome of change. Laura Malvica does not only work in ceramics, but also explores fragmentality in other materials like papers of different weights and compositions or in drawings spreading over attached sheets of paper. But besides the perishable nature of Malvica’s works, there is also the promise of growth. Layer after layer of burned clay builds upon each other; papers grow more and more into space and with them, the drawings of plants they carry. The fragments’ theoretical possibilities of creating are endless, as are those of storytelling.

With this insight into four different ways of artistic storytelling with and about nature, it becomes evident that silent yet attentive observation feeds into complex narration, which then leads to an artistic production, challenging us to become active observers ourselves. While this can be said for most artistic processes, the four women in this group presentation convince with their distinctness and straightforwardness. By bringing together fragments of stories within their own narratives and by also allowing these to form a greater tale, Vida Simon, Mirjam Elburn, Maria Laura Galeotti and Laura Malvica show that there are many ways to tell many stories – and that we all might need to follow their lead and take a step back to calmly observe.


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Von den Augen zu den Händen und zurück — über das Beobachten  und Geschichten erzählen
von Ines Rüttinger

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Ein bekanntes Gedicht von Konfuzius sagt:
Ruhig beobachten -
Die unzähligen Phänomene sind selbstverständlich.
Die Natur erzählt sich selbst perfekt.

Dieses Zitat schwebt durch den Äther des Internet und kann auf zahlreichen Websites gefunden werden, die sich mit der Erweckung des inneren Buddhas beschäftigen. Es zielt darauf ab, dass man aktive Ambitionen loslassen möge und fordern auf die Welt und deren sich selbstantreibendes System zu beobachten — während selbst man passiv verweilt. Warum nun sollte jemand dieses Zitat als Einführung für einen Text über vier Künstlerinnen und deren Arbeitsweise wählen? Hauptsächlich aufgrund des Interesses am Beobachten und Erzählen. Aber während es sich hier um gemeinsame Motive handelt, sind sie gleichzeitig ein entscheidender Unterschied zwischen empfohlener Nicht-Aktion des Zitats und der eigentlichen künstlerischen Praxis.

Das Gedicht empfiehlt nicht zu handeln, passiv zu bleiben: die Dinge werden sich so-oder-so entwickeln. Warum aber erscheint Beobachten passiv? Während es nicht der lebhafteste Akt sein mag, so ist das Beobachten trotz allem voller Aktivität.

Beobachten bedeutet zu hören, zu schauen, zu fühlen, zu berühren. Man muss achtsam sein, man muss fokussiert sein und man muss bewerten. Man muss vollständig verarbeiten, was man beobachtet, während man beobachtet, andernfalls starrt man einfach nur auf Dinge.

Beobachten geht einher mit Stille, Ruhe und Empathie. Es bedeutet, dass man einen Schritt zurücktreten muss. Möglicherweise liegt hier das Problem. Oftmals, wenn die eigenen Tätigkeiten und Überzeugungen nicht aktiv und lautstark geäußert werden, werden sie nicht als relevant wahrgenommen. Denn Ruhe, Stille und Zuhören gelten als passiv, werden oftmals mit Schwäche, mangelnder Relevanz oder mit Nicht-Existenz gleichgesetzt. Dies sind Merkmale, die wiederum oft mit Weiblichkeit verbunden werden.

Aber in der Tätigkeit des Beobachtens liegt eine ganz eigene Kraft. Wie das Gedicht empfiehlt, beginnt sich eine Geschichte zu entwickeln, sobald man beginnt zu beobachten Und während die Natur sich selbst erzählen könnte, kann sie uns nicht alles gleichzeitig erzählen. Es gibt tatsächlich unzählige verborgene Geschichten zu entdecken und Fäden zu entwirren. Die Arbeiten dieser Künstlerinnen setzen hier an und bieten verschiedene Erzählungen durch vier einzigartige Weisen des Geschichtenerzählens an.
Diese Geschichten, zusammengebracht in der Zusammenarbeit von vier Frauen mit unterschiedlichem Hintergrund von drei verschiedenen Kontinenten, scheinen ähnlich und gleichzeitig andersartig.
Das Geschichtenerzählen durch Frauen wird meist nicht assoziiert mit der „hohen“ Kunst der Literatur oder der Malerei, sondern wird verbunden mit „niedrigeren“ Formen der Kunst, dem Kunsthandwerk wie Weben, Quilten, Sticken oder Nähen. Das Garn beispielsweise wurde stets mit Zauberei, Verwünschungen und Erzählungen verknüpft. Manchmal war die technische Qualität dieser Gewebe so ausgereift, dass sie von anderen nicht verstanden werden konnte, so dass aus Kunsthandfertigkeit schnell Hexerei wurde. „Weniger“ und „böse“ sind Etikettierungen, die Frauen leider nur allzu bekannt sind.

Die unfassbaren Anstrengungen des Beobachtens, die diese Künstlerinnen in ihre Arbeit stecken, finden ihre Umsetzung in sehr (an-)fassbaren Objekten. Das Material scheint zum Berühren und Fühlen einzuladen, die Werke selbst entstammen offensichtlich aus manueller Tätigkeit und sind ein Manifest künstlerischer Handarbeit, in der Kreation zur Erzählung wird.

VIDA SIMON
Vida Simons narratives Interesse manifestiert sich insbesondere in ihren Zeichnungen. Der spontane und unmittelbare Charakter der Zeichnung reizt sie durch die innewohnende erzählerische Sprache. Zeichnen ist flexibel, kann nahezu überall stattfinden, jederzeit, mit jedem Material auf jedem Material. Eine Zeichnung kann figurativ und abstrakt, grob und detailliert, durchdacht und automatisch sein. Eine Zeichnung kann zudem eigenständig oder Teil einer Serie sein. Zeichnen ist denken mit den Händen, während man gleichzeitig die eigenen Gedanken niederschreibt. Simons Zeichnungen werden mitunter zu Elementen ihrer Installationen oder Performances, die auch ein wichtiger Teil ihrer künstlerischen Arbeit sind. Für ihre Performance von 2018 A Very Slow Blue, die Teil von Le Chant des pistes sauvages war und über drei Stunden stattfand, hat sie blaue Gegenstände jeglicher Art zusammengetragen. Durch das neu arrangieren, verwenden als Requisiten oder animieren der Teile, entfaltet sie eine Bandbreite von Erzählungen in einer vergleichsweise kurzen Zeit. Zwischen dem intimen Detail und der grösseren Installation ist „der Gesamtsinn“, wie sie selbst sagt, „ein traumgleicher Ort an dem das Heilige, das Alltägiche und das Absurde sich kreuzen.“ Performance, ebenso wie die Zeichnung, werden nicht nur Erzählung, sondern sind Ritual und Anrufung, beschworenes Szenario und Möglichkeit.

MIRJAM ELBURN
Während in einer Installation oder bei einer Performance Objekte einen unbestrittenen Ort haben, erfüllen die Arbeiten von Mirjam Elburn die meisten Betrachter mit einem Gefühl von deplatzierten Gegenständen. In unserem Verständnis von Welt, hat Material wie Haar seinen richtigen Platz (und möglicherweise auch seine Zeit) und ein Galerieraum sollte wohl eher keiner davon sein. Elburn arbeitet konstant entgegen unserer Erwartungen wo (und möglicherweise auch wiederum wann) Materialien sein sollten, wie wir ihnen begegnen und wie wir sie benutzen. Sie trotzt allgemeinen Regeln und gibt verlorenem und gefundenem, abgelegtem und weggeworfenem Material ein zweites Leben. Haar, Wurstpelle, Papiertüten, künstliche Zähne — sie alle streifen ihre metaphorische Haut und ihr vorheriges Leben ab. Durch das Verwenden von Techniken wie Nähen oder Filzen, erlaubt die Künstlerin dem Material ein neues Leben frei von vordergründiger Funktion fortzuführen. Stattdessen, scheinen diese Formen neue Welten zu beschwören, sie alle im stetigen Wandel und unvorhersehbar. Elburn weitet diese zwei Merkmale in einem neueren Versuch bei dem sie Polaroids und deren photosensitive Schichten untersucht. Durch Zerlegen des Polaroids, sprechen Doppelbilder, Zerstörung und Fehlstellen vom Zusammenprall von Vergänglichkeit und Ewigkeit —  sie sprechen von Zeit.

MARIA LAURA GALEOTTI
Dieser Zusammenprall kann auch in den Werken von Maria Laura Galeotti gefundenen werden, auch wenn sie davon in einer anderen Sprache berichtet. Was immer die Natur formt und zum Leben erweckt in einem temporären, ephemeren Kreislauf, überführt die Künstlerin in etwas Dauerhaftes, möglicherweise Ewiges: sie transformiert Pflanzen und organisches Material in Keramik. Man kann sich vorstellen wie manuell unmittelbar die Arbeit mit Ton sein kann: graben in irdischer Materie, neue Formen aus einem Klumpen Material definieren, sich mit Substanz verbinden. Eingeschlossen in Erde und gebrannt im Feuer, verlieren die Pflanzen ihre Form und geben sie zur gleichen Zeit weiter. Die Arbeit der Künstlerin trägt eine alchemistische, magische Nuance. Nichtsdestotrotz betreibt sie eine gründliche und wissenschaftliche Forschung indigener Techniken. Ihr Fokus liegt auf verschiedenen keramischen Pasten, regionalem Ton, der Konstruktion von Brennöfen und der Untersuchung von Materialien. Die Verleihung eines Gruppenforschung-Preises durch die Fondo Nacional de las Artes 2015 ermöglichte es ihr präkolumbianische einheimische Kulturen im Hinblick auf ihre Techniken und ihre Weltanschauung zu studieren. Dadurch findet Galeotti nicht nur ihre eigene Stimme im Geschichtenerzählen, sondern steht auch in der Reihe einer größeren Geschichte keramischer Erzählungen.

LAURA MALVICA
Einen anderen Weg in der Keramik geht Laura Malvica. Zuerst setzt ihre Praxis einen Kontrast zwischen imaginierter Zartheit von Blütenblättern und dem scheinbar harten Material. Aber dann erscheint das Material von ähnlicher wenn auch anderer Fragilität: einer kostbaren und zerbrechlichen Ephemera, was uns schwer glauben lässt, dass es in irgendeiner anderen als der augenblicklichen Situation installiert werden könnte. Die Fragmente bilden ein neues Ganzes und die Haufen keramischer Blütenblätter scheinen sich auszuruhen, könnten aber auch jederzeit durch einen plötzlichen Windstoß bewegt werden. Diese Spannung zwischen Trägheit und Bewegung schafft eine Instabilität, die der Inbegriff von Veränderung ist. Laura Malvica arbeitet nicht nur mit Keramik, sie untersucht auch die Fragmentalität anderer Materialien wie Papieren von unterschiedlichem Gewicht und unterschiedlicher Komposition oder in Zeichnungen, die sich auf aneinander gefügtem Papier verteilen. Aber neben ihrer vergänglichen Natur beinhalten Malvicas Arbeiten auch das Versprechen auf Wachstum. Lage um Lage baut gebrannter Ton aufeinander auf; Papierbögen wachsen mehr und mehr in den Raum und mit ihnen die Zeichnung der Pflanzen, die sie mit sich tragen. Die theoretische Möglichkeit der Fragmente zu erschaffen ist endlos, genauso wie die des Geschichtenerzählens.

Mit diesem Einblick in vier verschiedene Wege des künstlerischen Geschichtenerzählens mit und über Natur, wird nur allzu deutlich, dass Stille und aufmerksames Beobachten eine komplexe Narration speisen, die dann wiederum zu einer künstlerischen Äußerung führt, welche uns herausfordert selbst aktive Beobachter zu werden. Während dies über die meisten künstlerischen Prozesse gesagt werden kann, überzeugt die Präsentation dieser vier Frauen mit ihrer Deutlichkeit und Gradlinigkeit. Durch das Zusammenbringen der Fragmente von Geschichten innerhalb ihrer eigenen Erzählungen und dadurch, dass sie ihnen erlauben eine größere Geschichte zu formen, zeigen Vida Simon, Mirjam Elburn, Maria Laura Galeotti und Laura Malvica, dass es viele Wege gibt viele Geschichten zu erzählen — und dass wir vielleicht alle ihrem Beispiel folgen und einen Schritt zurücktreten sollten, um besonnen zu beobachten.


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De los ojos a las manos y de vuelta — del contemplar y del narrar
de Ines Rüttinger,
traducción al español de
Dr. Andrea Kyi-Drago

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Un poema conocido de Confucio dice:
Contemplar con calma
Que los innumerables fenómenos son obvios.
La naturaleza se revela perfectamente a sí misma.

Esta cita flota por el éter del Internet y puede encontrarse en muchas páginas web que se dedican al despertar del Buddha Interior. Quiere que soltemos las ambiciones activas y nos propone contemplar el mundo y su manera de propulsarse a sí mismo mientras que permanecemos pasivos nosotros mismos. ¿Por qué, entonces, eligir esta cita como introducción de un texto que nos cuenta de cuatro mujeres artistas y su manera de trabajar? Primero y ante todo, porque ellas mismas se interesan por la contemplación y la narración. Pero, al mismo tiempo, no sólo se trata de dos motivos que se comparten, sino también de una diferencia muy importante que existe entre la ausencia de acción que nos recomienda la cita y la actividad que implica la práctica artística.

El poema recomienda no hacer nada, quedarse pasivo, porque las cosas se desarrollarán sí o sí. ¿Pero por qué nos parece tan pasiva la contemplación? Puede que no sea el acto más animado, y, sin embargo, está lleno de actividad.

El contemplar significa escuchar, mirar, sentir, tocar. Hay que estar atento, enfocado y hay que evaluar lo que se percibe. Contemplar significa procesar completamente lo que se percibe mientras que uno lo está observando; sino sólo estuviéramos clavando nuestra mirada vacía en una cosa.

El contemplar va de la mano con el silencio, la calma y la empatía. Contemplar significa tomar un poco de distancia y a lo mejor es esto el problema. Cuando nuestras actividades y convicciones no se imponen de manera enérgica y en voz alta, no son percibidas como relevantes. La calma, el silencio y el escuchar son vistos como pasivos; muchas veces incluso se las equipara con la debilidad, la falta de relevancia o aun con el ser inexistente. Y éstos son atributos que a menudo se asocian con lo feminino.

No por eso, el acto de contemplar guarda una fuerza muy suya. Tal que nos recomienda el poema, una historia comienza a tejerse desde el momento en el que empezamos a contemplar.Y aunque la naturaleza podría revelarse perfectamente a sí misma, a nosotros no nos puede descubrir todo a la vez. De hecho, hay muchas historias escondidas a revelar y muchos hilos a desenmarañar. Y es aquí donde comienzan los trabajos de las mujeres artistas que nos ofrecen varios relatos a través de sus maneras singulares de tejer historias.

Estos relatos, que se han juntado en la colaboración de cuatro mujeres provenientes de diversos contextos y tres continentes distintos, parecen similares y, a la vez, muy diferentes. La narración de relatos no se asocia, en general, con el arte maestro de la literatura o la pintura, sino se inscribe, más bien, en las artes menores y las técnicas artesanales como los son el tejer, la costura de quilts, la bordadura o la costura. El hilo se relaciona siempre con la magia, las maldiciones y los cuentos. A veces, la calidad técnica de estos tejidos fue tan elaborada que los no iniciados ni siquiera eran capaces de comprenderla, lo que les llevaba pronto a asociar la artesanía con la brujería. Y atributos como «menor» o «mal» se conocen, desgraciadamente, de sobra cuando una es mujer.

Los increíbles esfuerzos de la contemplación que estas artistas invierten en su obra se manifiestan en objetos muy palpables. Su material parece invitarnos a tocar y a sentir, los artefactos mismos son evidentemente el fruto de unas manos activas y son el manifiesto de un trabajo artesanal hecho a mano donde la creación se vuelve narración.

VIDA SIMON
El interés narrativo de Vida Simon se cristaliza sobre todo en sus dibujos. El carácter espontáneo y directo de estos dibujos atrae por su lenguaje narrativo inherente. El dibujar es sumamente flexible, se puede dibujar en todos los lugares, en cualquier momento, con cualquier sustancia y sobre cualquier material. Un dibujo puede ser figurativo o abstracto, chapucero o detallado, muy pensado o casi automático. Además, un dibujo puede ser un acto independiente o puede formar parte de toda una serie. Dibujar es pensar con las manos, mientras que uno está tomando nota de sus propios pensamientos. Los dibujos de Simon a veces se convierten en elementos de sus instalaciones o actuaciones, que son también unos componentes importantes de su trabajo artístico. Para su actuación del 2018, «A Very Slow Blue», que formaba parte de Le Chant des pistes sauvages y que duraba tres horas, las artistas habían compilado cualquier tipo de objetos azules. A través de la nueva organización espacial de los objetos, el utilizar como requisito o el animar de las partes, esta actuación desarrollaba toda una gama de narraciones en relativamente poco tiempo. Entre el detalle íntimo y la instalación mayor se encuentra «el sentido total como lugar de ensueño donde lo sagrado, lo cotidiano y lo absurdo se entremezclan», como dice ella. Tanto la actuación como el dibujo no sólo se transforman en cuento, sino también son ritual de invocación, escenario evocado y potencia.

MIRJAM ELBURN
Mientras que en una instalación o en una actuación los objetos tienen su lugar indiscutible, las obras de Mirjam Elburn les hacen pensar a muchos espectadores que se trata de objetos desplazados. Según nuestra visión del mundo, todo material –tal como el pelo– tiene su lugar donde tiene que estar. A lo mejor incluso tiene su tiempo prescrito. Las salas de una galería más bien no deberían ser un tal lugar. Elburn trabaja constantemente contra estas nuestras expectativas sobre dónde (y, a lo mejor, también cuándo) se deberían encontrar los diferentes materiales, sobre cómo los encontramos y cómo los utilizamos. Así, Elburn se opone a las reglas generales y le da una segunda vida al material perdido y encontrado, usado y desechado. Pelo, piel de salchicha, bolsas de papel, dientes artificiales — todos se quitan su piel metafórica y su vida anterior. Mediante técnicas como la costura o la fabricación de fieltro, la artista le permite al material continuar una vida libre de funcionalidad superficial. En su lugar, las nuevas formas parecen conjurar nuevos mundos, todos cambiando constantemente, todos imprevisibles. Elburn extiende estas características en un experimento más reciente en el que explora las fotos Polaroid y sus capas fotosensibles. A través del desmantelamiento del Polaroid, las imágenes secundarias, la destrucción y las marcas defectuosas cuentan del choque entre lo efímero y lo eterno – nos hablan del tiempo.

MARIA LAURA GALEOTTI
Este choque se encuentra también en las obras de Maria Laura Galeotti, aún si usa otra lengua para contarla. Sea lo que sea lo que la naturaleza moldea y hace cobrar vida en un ciclo efímero – la artista lo transforma en algo permanente, a lo mejor incluso eterno: Transforma plantas y material orgánico en cerámica. Es fácil imaginarse lo inmediato y manual que puede ser el trabajar con arcilla: estar cavando en la materia terrenal, definir nuevas formas de un terrón o de un cacho de material, unirse con la sustancia. Encerradas en la tierra y cocidas en el fuego, las plantas pierden su forma, transmitiéndola al mismo tiempo. Todo el trabajo de la artista respira este matiz de alquimia, de magia. Y, sin embargo, es muy concienzuda y científica su manera de estudiar las técnicas indígenas. Se focaliza, sobre todo, en las diferentes pastas cerámicas, la arcilla regional, la construcción de los hornos para la cocción de arcilla y el estudio de los materiales. Gracias a un premio de investigación para grupos que le ha otorgado el Fondo Nacional de las Artes en 2015, la artista ha podido investigar las culturas precolombinas autóctonas en cuanto a sus técnicas y su cosmovisión.  De esta manera, Galeotti no sólo encuentra su propia voz, cuando narra sus historias, pero también se inscribe en la larga historia de narraciones cerámicas.

LAURA MALVICA
Laura Malvica toma otro camino, cuando trabaja con la cerámica. Primero, su práctica crea un fuerte contraste entre la delicadeza de los pétalos y la aparente dureza del material. Pero luego, el material parece frágil también, aunque la fragilidad es otra: Es una efimeridad preciosa y frágil, con lo cual nos resulta difícil creer que la obra podría ser instalada en otro momento que no sea el hic et nunc. Los fragmentos forman una nueva unión y la pila de pétalos de cerámica sólo parece descansar un instante, aunque igual podría ser desplazada en cualquier momento por una ráfaga de viento. Esta tensión entre inercia y movimiento crea una inestabilidad que encarna el cambio. Laura Malvica no solo trabaja con cerámica, sino estudia también el carácter fragmentario de otros materiales como papeles de diferente peso y que se distinguen en su composición o a través de dibujos que se esparcen sobre un patchwork de hojas sueltas. Sin embargo, y más allá de su naturaleza efímera, los trabajos de Malvica nos transmiten también la promesa del crecimiento. Capa por capa, la arcilla cocida va creando un todo; hojas de papel van creciendo para apoderarse del espacio, tal como lo hacen las plantas cuyas representaciones gráficas llevan en su superficie. El potencial creativo teórico de los fragmentos es infinito, al igual que el potencial de la narración.

Esta reflexión sobre cuatro maneras estéticas de contar historias a través de y sobre la naturaleza nos deja muy claro que el silencio y la contemplación atenta alimentan una narración compleja que, a su vez, lleva a una expresión artística que nos desafía a convertirnos nosotros mismos en observadores atentos. Es ésta una constatación que bien se puede hacer con respecto a la mayoría de los procesos artísticos, pero la presentación de estas cuatro mujeres nos convence como pocas con su claridad y coherencia. Juntando fragmentos de historias dentro de sus propias narraciones y permitiéndoles formar juntos una historia más grande, Vida Simon, Mirjam Elburn, Maria Laura Galeotti y Laura Malvica demuestran que existen muchas maneras de contar muchas historias y que, a lo mejor, todos nosotros deberíamos seguir su ejemplo, tomando un poco de distancia para contemplar con prudencia y atención.





Laura Malvica 
weight, 
earthenware
2021



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Laura Malvica
contrast, 
white earthenware

2021



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Mirjam Elburn
Wandabnahme 2,
frottage, graphite on drawing paper, 30×40cm
05/2021


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Mirjam Elburn
Wandabnahme 1,
frottage, graphite on drawing paper, 30×40cm
05/2021


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Mirjam Elburn
Häutungen (skinning) 2,
b/w photography, 1/1, 30×40cm
05/2021

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Laura Malvica
chain, 
earthenware
2021


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Mirjam Elburn
Häutungen (skinning) 1,
b/w photography, 1/1, 30×40cm

05/2021

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Vida Simon Too Much/Not Enough, ink on beans (detail from installation)
2020

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Vida Simon Too Much/Not Enough, installation, mixed media, CIRCA, Montreal
2020


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Laura Galeotti
Dandelion, white stoneware
2021

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Laura Galeotti
Installation pieces of ocher stoneware

2021

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Laura Galeotti
Pomegranate, fired red clay 
05/2021


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Laura Galeotti
Fruits, fired red clay 
05/2021

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Laura Galeotti
Leaves, fired red clay

05/2021

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Laura Galeotti
Flowers and plants, fired red clay

05/2021

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Laura Galeotti
Immersion bath of organic objects in slit and ocher stoneware
2021


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Mirjam Elburn 
how to feel … (detail), body print, latex sewed, ca. 120×70cm
2021

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Vida Simon
Too Much/Not Enough,
detail of installation, mixed media
2020

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Laura Malvica a logbook of plant species,
pencil on paper

2020

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Laura Galeotti vestiges of a happy summer,red clay, burning wood oven
2019


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